Dracula

Yngvild Aspeli / Cie Plexus Polaire

Comédien·nes en chair et en os et marionnettes à taille humaine, une relecture piquante du mythe de Dracula

En adaptant au théâtre le roman de Bram Stoker dans une version révisée par l’écrivain islandais Valdimar Asmundsson, Yngvild Aspeli et son équipe de créateur.trice.s plongent dans ce sombre et immortel mythe en soulignant sa forte charge érotique. À travers l’interaction étroite des comédien·nes en chair et en os, et des marionnettes à taille humaine, ce spectacle inspiré du cinéma de Guy Maddin explore la nature humaine mais aussi les états limites, entre vie et mort, possession et liberté.

Cette relecture de la légende de Dracula est à la fois très physique et visuelle, peu bavarde et peu sanglante, mais subtile et suggestive. La version de la metteuse en scène norvégienne se veut sous le prisme des femmes et des victimes, redéfinissant une nouvelle perception du vampire.

Du grand théâtre visuel et de marionnettes aussi drôle et déjanté qu’effrayant et jubilatoire. 

Ukraine Fire

Dakh Daughters

En 2016, nous découvrions au 140 les punkettes-clowns ukrainiennes au 140 avec leur flamboyant Freak Cabaret.
Deux semaines après le 24 février 2022, jour d’invasion russe en Ukraine, les Dakh Daughters et leur metteur en scène et Vlad Troitskyi décident de rejoindre la France, là où quelques amis peuvent les accueillir en compagnie de leurs enfants et de leurs mamans. Pères, parents plus éloignés restent, eux, en Ukraine.
Du Freak Cabaret, concentré festif, ardent et féroce de femmes qui revendiquaient leur puissance et leur liberté, elles y puisent aujourd’hui une force de résistance, même si la belle énergie du départ s’est déplacée, brisée par la guerre.

Mais leur nécessité de dire le monde est toujours vivante et répond désormais à l’urgence de témoigner de la réalité par l’art.

 Aux fronts de guerre il faut opposer le front de l’art.
Elles adapteront ce spectacle aux réalités politiques, pratiquement un an après l’invasion russe.

Femme flamboyante

Performance littéraire immersive

Nos silences ne nous protègeront pas!

Audre Lorde

À partir de textes d’auteur·rices d’ici et d’ailleurs, Rokia Bamba, artiste belgo-malienne et ivoirienne, DJ et activiste, convoque comédien·nes et musicien·nes sur le plateau du 140 qui lui donne carte blanche. Son envie est de nous amener à repenser le mot “Femme” à travers la création et la pensée artistiques. Il sera question de résistances et de solidarités. Cette performance inédite sera construite comme un dialogue entre le son et les mots qui se répondent.

La thématique centrale sera la femme flamboyante dans tout ce qui peut la définir, au présent, au passé et dans le futur. Le rendez-vous sera centré et porté par des questionnements féministes, afro-féministes, LGBT/Queer, écologiques, décoloniaux et post-coloniaux… Les véritables enjeux seraient d’offrir une existence d’alternatives spatiales, d’initier un renouveau humain… rendre visible nos savoir-faire et nos savoir-être.

L’ensemble sera un rendez-vous performatif en immersion totale.

Née dans cette culture dite de l’oralité, Rokia Bamba œuvre à la sauvegarde de cette tradition, source importante pour reconstituer, raconter, les identités culturelles. Ainsi, une exposition sonore sera présentée dans le foyer du théâtre entre janvier et juin.

Un projet de Rokia Bamba et du 140

Ce spectacle est accessible aux personnes malentendes.

Résistances poétiques

Cyril Dion et Sébastien Hoog

À travers des poèmes et quelques textes en prose issus de ses différents ouvrages, Cyril Dion, écrivain, réalisateur, figure du mouvement écologiste et co-réalisateur du film « Demain » nous offre une expérience poétique portée par la musique de Sébastien Hoog, guitariste, compositeur et interprète.

« Face à la perspective d’un effondrement écologique, plongé dans le bouillonnement numérique, happé par le tourbillon des informations, confronté à la violence, aux inégalités, nous avons besoin de la poésie, de la beauté, de la musique. »

Cyril Dion

RadiOh Europa

Gemma Paintin & James Stenhouse / Cie Action Hero

Ode à l’amour par des bruxellois

Après 33 pays visités et plus de 1000 chansons d’amour récoltées, la compagnie Action Hero aura baladé son camping-car à Bruxelles durant cinq jours.
Le 1^er octobre à La Tour à Plomb et le 2 octobre au 140, quatre heures durant la compagnie animera une émission de radio live où nous pourrons découvrir le volet Bruxelles de ce tour d’Europe.

Entre l’heure de début à la Tour à Plomb et l’heure de fin au 140, soit durant 24h, il sera également possible d’écouter l’intégralité de leur sonothèque sur Facebook.

Sur la scène du 140, nous vous invitons à rejoindre notre « espace d’écoute profonde ».

Dans le cadre de Nuit Blanche

Trio (for the beauty of it)

Monika Gintersdorfer - Carlos Martinez - Alex Mugler – Ordinateur - Timor Litzenberger

Trois danseurs·x contemporains·x, Ordinateur, star du coupé-décalé ivoirien, Alex Mugler, vedette new-yorkaise du voguing et Carlos Gabriel Martinez, spécialiste des danses urbaines mexicaines, partagent la scène du 140.

Trio (for the beauty of it), c’est la rencontre de trois artistes.x réunis.x par la metteuse en scène berlinoise Monika Gintersdorfer. Figures incontestées des communautés dont ils.x sont issus.x et danseurs.x exceptionnels.x, Ordinateur, star du coupé-décalé, Alex Mugler, vedette du voguing et Carlos Gabriel Martinez, spécialiste des danses urbaines mexicaines, partagent sur scène leurs arts au-delà de leurs continents et cultures d’origine. Chaque interprète maîtrise l’histoire et les codes de sa danse tout en participant à son expansion transnationale et son évolution, fruit d’influences nouvelles. Alors que ces styles pourraient s’opposer, se confronter, ici ils s’échangent et s’hybrident avec talent. Les limites entre les continents, les disciplines artistiques et les genres s’effacent pour se mélanger.

Pour autant, nul idéalisme : ce qui rapproche est aussi ce qui sépare, et le dialogue entre des cultures aux contextes fort différents n’a rien de spontané. Ce spectacle prône les différences et spécificités des trois styles mais aussi leurs points communs. Véritables outils d’expression, de communication et d’affirmation identitaire, ces danses sont toutes issues de mouvements contestataires.

La rencontre de Trio entend résister à toutes les tentations d’isolationnisme, en lui opposant l’inventivité́ et le partage. Tel un explorateur, le spectateur voyage entre ces différents mondes qui se découvrent et s’apprivoisent, s’unissant au fil du spectacle. Une performance à l’énergie généreuse et communicative portée par la mixité des musiques et des danses.

Autophagies

Eva Doumbia / Cie la part du pauvre

Une performance cuisinée et politique

Eva Doumbia nous invite à réfléchir à ce qui se trouve dans nos assiettes. Elle mène cette réflexion sous le prisme de la décolonisation et des dominations.

Vidéo, théâtre, musique seront au rendez-vous avant de déguster ensemble, un mafé.

« Dans les années 1980, mon père, Amadou Doumbia, a ouvert le premier restaurant africain du Havre, où il vivait. Il proposait du mafé. Nous en mangions rarement dans la maison qui était tenue par ma mère, une institutrice normande. Chez nous, les repas africains étaient servis lors de visites d’amis ivoiriens. Je me souviens encore de plats posés au centre où tout le monde plongeait ses mains. Sauf nous, enfants français qui mangions avec des cuillères. J’ai longtemps pensé que ce plat à base de poulet et de pâte d’arachide était un plat traditionnel d’Afrique de l’Ouest. Mais en fait pas du tout. Ce plat national malien n’est consommé que depuis le XVIIIème siècle, probablement arrivé avec les habitudes culinaires des colons européens. Je me suis alors demandé d’où provenait la plupart des aliments que nous consommions aujourd’hui en Afrique : banane, riz, chocolat, ananas, mangue… J’ai réalisé qu’aucun d’entre eux ne poussait sous le Sahara. Ce ne sont pas des cultures endogènes. »

Eva doumbia, metteuse en scène

BOMBES MUSICALES

Le jeudi 13 avril nous nous retrouvons dans le 140 pour une formule inédite de concerts complètement barrés !

Au programme :
18h00 : ouverture des portes
19h00 : Crolles
21h00 : BICKY LOVE
22h00 : Olive et Pomme
23h30 : fermeture des portes

A manger :
– Food Truck : EL CAMION

A boire :
– Cocktails
– Bières délicieuses de brasseries bruxelloises

Entrée libre – Gratuit

Brussels, City of Stories 2023

Véritable mosaïque multiculturelle, Bruxelles abrite une riche diversité de personnes et avec elles, de vies, d’expériences et d’histoires. Qu’elles soient tristes ou joyeuses, belles ou tragiques, vraies ou imaginaires, les histoires se façonnent par les rencontres et les expériences quotidiennes. Brussels City of Stories croit en le pouvoir des histoires, à leur capacité de connecter entre eux les lieux et les gens quels que soient les milieux, âges, langues et cultures.

Initié par MuntPunt, Passa Porta, La foire du Livre et Le 140, Brussels City of Stories est né d’une envie commune de ré-enchanter l’espace public de manière poétique et sociale et d’y

encourager le vivre ensemble. Estampillé City of Stories depuis déjà deux éditions, le projet se veut inclusif, multilingue et accessible aux publics francophone, néerlandophone et international. Ajustant les thématiques au fil des années, Brussels City of Stories vise à rassembler et partager des valeurs et des oeuvres de citoyen·ne·s et d’associations actives dans le milieu socioculturel afin de démocratiser la culture et valoriser la richesse culturelle de Bruxelles. Dans le cadre de l’édition 2022, Le140 a organisé des ateliers d’écriture avec l’écrivaine Isabelle Wéry en partenariat avec le CPAS de Schaerbeek. D’autres associations telles que La Maison des Femmes de Schaerbeek, la Bibliothèque Sésame, La Piola Libri et l’asbl Lire et écrire ont participé à la récolte d’histoires.

S.A.M.E Festival 2022

Pendant le mois de mars, Schaerbeek va vivre au rythme de la deuxième édition du S.A.M.E. Festival! Ces deux Semaines d’Actions et de Mobilisations pour l’Egalité (S.A.M.E.) visent à établir un rendez-vous annuel sur le territoire schaerbeekois. Celui-ci mettra en avant les actions de terrain luttant contre les discriminations autour de quatre grands axes : celles basées sur le genre, le racisme et la xénophobie, l’homophobie et la transphobie, ainsi que sur un handicap.  

Réservation obligatoire via , merci de vous présenter au moins 30 minutes avant le début de la rencontre.

La Nuit des Écrivains 2022

La 6e Nuit des Écrivains : les inscriptions sont ouvertes !

Se laisser guider – ou égarer – dans la nuit par les voix de six écrivain·e·s ?

C’est à cette expérience singulière que vous convient à nouveau Myriam Leroy et Pascal Claude lors de la 6e édition de La Nuit des Écrivains, le jeudi 10 novembre 2022 dès 21h. Les inscriptions sont ouvertes !Pendant quatre heures, six écrivain·e·s invité·e·s échangent et s’interpellent en public au 140 à Bruxelles et en direct sur La Première, avec la précieuse collaboration de Passa Porta :

L’épatante Clara Ysé, jeune romancière, mais aussi chanteuse. Son premier livre, Mise à feu, est paru l’an dernier chez Grasset. Un roman d’initiation et d’aventure, magique et cruel. Deux ans plus tôt, elle a sorti son premier disque, Le Monde s’est dédoublé, qui a été nominé par l’Académie Charles-Cros.

David Van Reybrouck, archéologue et philosophe de formation, historien de la culture à la KUL, se lance dans une carrière d’écrivain en 2007 avec son premier roman, Slagschaduw. Il est notamment récompensé par le Prix Médicis en 2010 pour Congo. Une histoire. En 2013, il propose une démocratie par tirage au sort dans Contre les élections. En cette rentrée, il publie Revolusi (Actes Sud), une étude historique consacrée à l’Indonésie.

L’écrivaine et journaliste Laure Adler qui clame : « je suis vieille et je vous emmerde ! ». Son dernier livre, La voyageuse de nuit (Grasset), est une enquête sur la vieillesse. Profondément engagée pour la cause des femmes, elle a consacré des ouvrages à plusieurs femmes brillantes et puissantes, dont Marguerite Duras, Hannah Arendt et Simone Veil.

Diplômée en journalisme et communication de l’ULB, la montoise Ariane Le Fort se démarque en 2003 avec la parution de Beau-fils, qui reçoit le Prix Victor-Rossel. Le sentiment amoureux fait vibrer le cœur de ses différents romans. Son dernier ouvrage, Quand les gens dorment, est sorti en mars 2022 (OnLit).

Patrick Chamoiseau qui estime que la littérature est une « énigme indépassable ». Il a reçu le Goncourt en 1992 pour son roman Texaco (Gallimard), où il dépeint la vie de Martiniquais sur trois générations. Théoricien de la créolité, il a participé à la création du Manifeste de la créolité. C’est une voix qui compte en francophonie et à l’échelle mondiale

.Et Emmanuelle Bayamack-Tam pour qui le roman est un genre transgenre ! Elle a obtenu le Prix du Livre Inter en 2019 pour Arcadie, un roman dans lequel souffle un vent libertaire et libertin.. Elle vient de publier La Treizième heure (P.O.L.). Elle écrit également sous le pseudonyme de Rebecca Lighieri, dont le roman Il est des Hommes qui se perdront toujours.«

Ces auteur·ice·s nous aident à mettre des mots sur les grands sujets qui font battre le cœur de notre époque et de nos vies.

La Nuit des écrivains, le jeudi 10 novembre de 21h à 1h du matin, en direct sur La Première et au 140 à Bruxelles, avec Passa Porta.

L’accès est gratuit.

Trésors Vivants 2

Au programme:

Après une mémorable première soirée en septembre 2022, Le Monde est un Village propose la seconde édition de Trésors Vivants. Ce concert pas comme les autres mettra à l’honneur des collaborations inédites entre des artistes confirmés et de jeunes talents prometteurs qui vivent et s’expriment en Belgique. Rejoignez-nous le vendredi 28 avril au Théâtre Le 140 à Bruxelles dès 20h !

« Forte de son succès et de son intérêt lors de la première édition de Trésors Vivants en septembre dernier, l’émission Le Monde est un Village propose un nouveau développement musical et original en cette fin avril. Trésors Vivants, c’est la rencontre entre des Musiciens porteurs de Tradition, Culture et Patrimoine et des Artistes de la nouvelle génération. Nous éclairerons le riche parcours, l’intense talent des uns et la gourmandise, la curiosité, la disponibilité artistique des autres. Cette soirée-concert unique et insolite sera une promesse de rencontres, de connivences, d’amitié et de passion. Un double coup de projecteur sur des individus ou des collectifs qui gagnent à être revus et de nouvelles pépites qui méritent d’être exposées. Bienvenue ! »

Didier Mélon

Résidence artistique chez l’habitant

Durée de la résidence : 5 jours, du lundi au vendredi en journée.
Accessible à tou.te.s (principalement schaerbeekois.e.s) / Gratuit

Citoyen.ne.s, amateur.rice.s ou passionné.e.s de culture et de création, devenez hôte !

Dans votre maison, un espace inédit (une salle de jeux, une cage d’escalier, un grenier aménagé, une bibliothèque, une cabane, une serre ou une maison arrière, etc. ) attend un.e artiste prêt à s’en inspirer pour créer. Nous vous proposons de l’accueillir chez vous pendant cinq jours. L’occasion de faire des rencontres et de rendre service à un.e chorégraphe désireux.se de travailler dans un lieu de vie, plus inspirant que le studio ou le théâtre.

La résidence artistique chez l’habitant.e réfléchit aux conditions de l’émergence des idées artistiques en favorisant le vivant et la rencontre à la source de toute recherche scénique. »  Sabina, créatrice du projet

L’objectif de ce projet est de créer des liens, du dialogue et de l’entraide. En accueillant l’artiste, vous deviendrez acteur.rice du projet en cours de création chez vous. L’aménagement de votre espace de vie, un objet, une conversation, une odeur,… seront susceptibles de nourrir l’imagination de votre invité.e.

Sortie de résidence

Afin de partager l’expérience avec vos proches et d’alimenter le processus de création, l’artiste présentera une étape de son travail à vos ami.e.s, voisin.e.s et famille à la fin de son séjour chez vous.

Envie de tenter cette expérience ?

Pas besoin de beaucoup d’espace ni de matériel technique pour accueillir un.e artiste. Votre espace doit être accessible pendant 5 jours, du lundi au vendredi, en journée.

 >>> Ouvert à tou.te.s. L’accueil n’est pas rémunéré. Avant la résidence, nous vous transmettons une présentation de l’artiste/la compagnie ainsi que du projet en cours de création que vous accueillerez.

MicroDanse #5

Depuis cinq ans, nous vous faisons découvrir trois instantanés dansés. Cette année, Le 140 et Grand Studio s’associent !

Artistes 2022 :

• Solal Mariotte
• Benoît Nieto Duran
• Maxime Cozic

Le principe reste identique, la pièce ne peut excéder vingt minutes, les accessoires et décors ne sont permis que s’ils entrent dans une valise et le spectacle ne peut faire recours à plus de trois intervenants. 

Quelques mots sur les performeur.euse.s

Benoît Nieto Duran 

Danseur / Performer / Chorégraphe

Né à Liège, Belgique en 1990 et est actuellement établi à Liège.

Intègre en 2006 le Groupe « OPB » avec lequel il représente la Belgique à travers le monde pour des compétitions ( Battle ).

Après avoir remporté de nombreux titres en groupe et en solo, tel que l’Award du « Meilleur Breakdancer de l’année 2011 » , il décide de se tourner vers la création pour plus de liberté en terme de mouvements.


Benoît a travaillé avec de nombreux artistes et compagnies professionnelles à savoir ; 

Cie Okus Lab, Opera Royal de Wallonie, Luc Petit création, Franco Dragon, Cie Victor B, HipOrgue, Didier Bouillon et actuellement pour Koen Depreter dans « Tender Men » : pièce contemporaine pour quatre interprètes internationaux ainsi que pour Julien Carlier « Dress Code » pièce pour six danseurs en Bboying. 


Formé en break Dance dés son plus jeune âge, il s’intéresse très vite à la danse contemporaine qui l’amène à développer un langage personnel et atypique, nourri par sa connaissance des différents techniques de danse.
Il a notamment développé une bonne mémoire chorégraphique et une grande faculté d’improvisation.


Il aime jongler avec les énergies et les dynamiques et à une affinité particulière pour la précision du mouvement et la musicalité.

La pièce / Protéiforme

Est-ce le bon choix ? Ce mouvement est il le bon ?
Qu’est ce qui est beau ? Qu’est ce qui est laid ? Et si la laideur n’était pas l’envers de la beauté, mais une catégorie de la beauté ? 

Est-ce que le beau est une finalité dans l’Art ? 



Protéiforme à pour ambition de faire remarquer que l’expression de la laideur est d’avantage liée à l’individualité, tandis que la beauté serait par essence même la quête d’un idéal… Presque Inhumain. 


J’ai l’intention de m’intéresser à la laideur sous différents aspects pour mieux comprendre et vivre une expérience esthétique dansée.

Je compte déconstruire la gestuelle du break-dance extrêmement codifiée. Le mouvement brut comme point de départ pour créer un langage chorégraphique unique.
La quête d’un idéal.

Benoît Nieto Duran 

Solal Mariotte

Solal Mariotte (né en France en 2001) découvre la danse par le biais du Hip-Hop.

Il étudie au Conservatoire d’Annecy puis poursuit sa formation à P.A.R.T.S, il en sort diplômé en juin 2022. 

Il danse dans la pièce « Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones » de Jan Martens avant de rejoindre en 2023 la compagnie Rosas de Anne Teresa De Keersmaeker.

Solal est un jeune chorégraphe. Le jeu, l’improvisation, l’échange pluridisciplinaire et une expression plurielle de soi sont des dimensions qu’il souhaite continuer à explorer aujourd’hui. Il aimerait s’ouvrir à un autre rapport au temps, à un imaginaire plus large, à la poésie.

Maxime Cozic

» Emprise, c’est le thème choisi par Maxime Cozic pour son premier solo. Datant de 2020, la création joue sur un rapport au corps contenu, exigu, empêtré dans des danses au sol empêchant le corps de se déployer. Un travail de maîtrise colossal, marqué par la souplesse du chorégraphe. Emprise ou la danse d’un corps en surtension.

Quand Maxime Cozic arrive sur scène, dans un univers gris, noir et bleu foncé, on se demande à quoi s’attendre. L’artiste semble bloqué dans un espace lumineux en carré. La lumière ne lui fait pas le cadeau de l’éclairer. Statique, il est dans l’ombre. Pour être mieux vu, il doit relever la tête. Et puis, ça commence. À partir de là, le danseur expose la couleur : la chorégraphie sera celle d’une lutte. Sa gestuelle si saccadée peut tendre à dessiner les démons qui composent l’Emprise. On est impressionné par l’extrême souplesse de Maxime Cozic, qu’il met au service de mouvements raides et secs.

Emprise est une danse en tension, en torsion, où poignets et coudes se tordent. Le spectacle est présenté comme une exploration « des gestes qui échappent d’abord au contrôle, qui pourraient trahir par exemple un complexe, et qu’il s’agit tout autant de contenir, de ramener dans la maîtrise d’une modulation des tensions » (dossier de presse). En effet, il est clair que le corps n’a pas d’échappatoire, qu’il est surcontrôlé dans un espace où rien ne doit dépasser. L’espace en carré qui ouvrait le spectacle annonce l’idée de limites. Le danseur est en maîtrise permanente de ses gestes, dont il refoule les libertés. Il y a une impression constante de délimitation. Ainsi, même si la chorégraphie se déploie au cours du spectacle sur toute la scène, ce carré central marque souvent un point d’ancrage vers lequel le danseur revient.

Seul en scène, Maxime Cozic prend toute notre attention et nous entraîne dans ce qu’il raconte.Un univers hip hop qui fonctionneParfois, le danseur ressemble à un objet articulé, comme un robot dans une boîte. Dans Emprise, Maxime Cozy explore les gestes d’un corps à l’aspect mécanique voire électronique grâce à certaines tonalités digitales.

La chorégraphie fonctionne avec l’univers musical hip hop et moderne créé par Jimmy Febvay. Cet accompagnement apporte un rythme soutenu à un spectacle sans mouvements lents.

Du hip hop, l’artiste reprend de nombreux mouvements au sol, qui semblent davantage canaliser le corps dans l’espace. Parallèlement à cette musique, le souffle du chorégraphe est perceptible et accentue un sentiment de dureté imposée. La fatigue de la lutte corporelle comme de la fatigue émotionnelle. «

toutelaculture.com

Pimp your nails

Les 140 Lunes

Laisse-toi tenter, dépose tes mains dans les miennes et créons ensemble demini œuvres d’art sur tes doigts.

15 minutes de frisson pour 3 semaines d’ornementation.

Et Voilà !

Charlotte Bouriez & Adrien Lambinet

Un tromboniste, arrangeur, compositeur, et plus encore. Une chanteuse, comédienne, et voilà! Des chansons, des musiques et des histoires à raconter. Ils nous proposent de vivre un siècle de tubes en tous genres !

Le temps file en musique et voilà que l’on se découvre des madeleines de Proust intemporelles et presque universelles.

Des chansons. À la carte, en souplesse et en finesse. Un sourire par-ci, des “shake ton body” par-là : de la musique en veux-tu ? En Voilà !

A Very Eye

Tumbleweed

Une chorégraphie à six danseur·euses qui se déroule au sein du public, assis, debout. La danse parmi nous, comme un motif qui, se répétant, évolue et glisse en nous frôlant. Une expérience immersive dans un geste chorégraphique qui va se construisant, minimaliste, joyeux et bienveillant.

Inspiré par la diversité des comportements collectifs que l’on retrouve à profusion dans le vivant, A Very Eye est une pièce qui nous invite à changer de perspectives et à éclairer les interstices.

Le public et les six danseur·euses se croisent, se mélangent et se confondent, pour tracer ensemble les lignes mouvantes d’un territoire à habiter.

Baubo

Une Tribu Collectif

Déméter est désespérée par la disparition de sa fille Perséphone, enlevée par Hadès, dieu des enfers. Au cours de ses recherches, elle est accueillie par Baubo, personnage burlesque et truculent: Baubo entame une danse comique qu’elle ponctue en dévoilant son sexe, si bien que Déméter est toute réconfortée.

Grâce à sa mère, qui a repris courage et intervient auprès de Zeus, son père, Perséphone recouvre la liberté, mais sous condition. Elle passera quatre mois sous terre avec Hadès, huit mois sur terre avec sa mère. Par cette existence alternée, Perséphone installe le rythme des saisons sur la terre cultivée par les humain·es. Quand Déméter est heureuse avec sa fille, la nature est vivante et fleurie. Quand Perséphone retourne chez Hadès, le désespoir de Déméter engendre l’hiver.

Ce mythe nous inspire le récit du spectacle. Dans un futur peut- être extrêmement proche, la terre sera épuisée. Mais une vieille femme communique avec notre planète. Elle est comme une intermédiaire qui pourrait nous aider à trouver un chemin et surmonter nos difficultés.

Breudd

Breudd est un duo électronique belgo-suisse. Obsédés par les atmosphères cinématographiques fortes, ils pratiquent un style musical composé de beats implacables et hypnotiques, d’arpèges à la volée et de mélodies entêtantes qui collent bien longtemps après l’aube.

Demandez-leur comment la musique doit être écoutée, et ils vous diront: de nuit, les yeux fermés, en tapant du pied. Demandez- leur comment la musique doit être faite, et ils vous diront que c’est une bataille d’esprits, en frères bagarreurs. Si Mr Flash et Sébastien Tellier avaient eu un enfant, ce serait Breudd.

Comète

Du pop-rock, pour les enfants dès 6 ans ?! Iels en redemandent !

Lio, Brice, Dan et César (membres de Girls in Hawaii, Hallo Kosmo et Italian Boyfriend) s’amusent à explorer leur constellation musicale, des Beatles à The Strokes, en passant par Air ou encore Françoise Hardy, sans oublier quelques-unes de leurs compositions personnelles. Il n’est jamais trop tôt pour se déhancher sur un bon vieux Clash, jamais trop tard pour replonger dans les Beatles. Et entre les deux, s’offrir les Strokes, Françoise Hardy ou Air.

Comète, c’est la formation de musiciens pop rock habitués des grandes scènes, venue pour partager avec les plus petits leur galaxie personnelle. Compos et reprises se mêlent pour se prendre du bon son dans les oreilles, chanter, danser, et vivre un vrai concert rock !

Francofaune au 140

Vakah Profana, Zedie, Peggy Lee Cooper & Cuisse

Francofaune vient faire vibrer les murs du 140 ! Le temps d’une soirée, avec 4 performances, nous allons célébrer la scène francophone, électronique et cabaret. L’occasion de taper du pied et de découvrir de nouvelles « espèces musicales en voie d’apparition ».

Combo Cabaret #1

Ivo Dimchev & Diana Salles

Delusional I killed a man · Diana Salles

Spectacle solo de cirque contemporain Delusional “I killed a man” est un spectacle sur la transition et la transformation. La jeune artiste et activiste trans Diana Salles partage ici le parcours d’une renaissance à soi, dans la peau de Judith, la protagoniste du célèbre tableau de Caravage Judith décapitant Holopherne.

Ivo Dimchev

Chorégraphe, danseur, plasticien, performeur, musicien, comédien, poète, auteur : Ivo Dimchev, c’est l’artiste pluriel. Il donne à vivre des œuvres déroutantes, furieuses. Dimchev est un personnage – cabaret : strass et paillettes, rouge à lèvres vif sur un visage poudré de blanc, habillement fantasque, tatouages et piercing innombrables, il régale de tous les excès, usant de son puissant charisme androgyne.

Ses performances chantées sur des textes intimes, engagés, mélancoliques parfois, conjuguent l’opératique, le rock.

LLouise

Françoise Flabat

LLouise est une forme scénique qui conjugue marionnettes, manipulations, danse, mouvements, et arts numériques. Le spectacle trouve son inspiration dans la vie et l’œuvre de l’artiste franco-américaine Louise Bourgeois. Sur scène des objets font référence à certaines œuvres de l’artiste: s’engage alors un voyage sensible et singulier.

La danseuse, au contact des objets, questionne l’empreinte de l’enfance, la filiation, le rôle de la mère, de la femme, de l’artiste.

Une araignée géante motorisée se met peu à peu en vie sur la scène jusqu’à l’affrontement et la rencontre: oser toucher, repousser, caresser l’animal, comme pour dépasser les limites de ses peurs, de ses colères, de ses propres expériences, jusqu’à la réconciliation et l’apaisement. L’araignée a été un thème important du travail de Louise Bourgeois dans les années 90, plus particulièrement dans la réalisation d’une araignée géante, Maman, qu’elle concevait comme une ode à sa mère – l’arachnide étant perçu comme bénéfique, protecteur.

Signal To Noise

Forced Entertainment

Si la tonalité de départ est bien celle d’un pétulant optimisme, les choses, peu à peu, se mettent à se désagréger, à partir en vrille, à la manière d’une fin de soirée en délire, dans un chaos d’événements épars – danses, répétitions, altercations, changements de décors et… bulletins météorologiques impromptus.

Les textes sont prononcés par des voix générées par IA à qui les six performeur·euses prêtent leurs corps, donnant ainsi vie à ces locuteur·trices désincarné·es : jacasseries irréelles qui mêlent monologues intérieurs, blagues tombées court et interviews hors sujet.

Tout sonne juste, plus ou moins humain, plus ou moins réel. Un univers étrange et fascinant prolifère, où se brouillent les limites entre ce qui est réel et ce qui n’est que simulacre, entre ce qui est drôle et grave.

Les 10 ans du Sassy Cabaret

Sassy Cabaret

C’est en 2015 qu’a débuté l’aventure du Sassy Cabaret, à l’Os à Moelle.

Depuis lors, une ou plusieurs fois par mois, Lili réunit des artistes pour des soirées cabaret. Parmi iels, une dizaine sont régulier·es, c’est La Sassy family.

D’autres sont des guests, des artistes internationalement reconnu·es. Fort de son identité underground et rock’n’roll, le Sassy Cabaret occupe aujourd’hui une place importante sur la scène Queer et féministe. Les numéros proposés peuvent être drôles, poétiques, toucher des sujets légers ou sensibles ; ils sont, au-delà du divertissement, du strass et des paillettes, toujours politiques.

Camera Obscura

Pierre Vaiana

Tout objet exposé à la lumière est susceptible de projeter son image réduite par un petit trou percé dans une boîte noire – c’est le principe connu de longue date de la “Camera Oscura”. L’album est donc la métaphore musicale de ce principe, rapporté au monde qui nous entoure.

La musique proposée dans cet album explore plusieurs pistes : le chemin, l’ombre et la lumière.

Après l’album “Amuri & Spiranza”, Pierre Vaiana a souhaité continuer l’aventure en trio – soprano, guitare et cello – pour explorer une orchestration fluide et ouverte, et davantage d’interactions. Les compositions se déroulent comme un voyage intérieur et méditatif.

Tout ça pour l’amour

Edwige Baily & Julien Poncet

Ce spectacle, Edwige Baily et Julien Poncet l’ont voulu dans l’après COVID comme “une surprise à offrir aux gens quand iels pourront revenir au théâtre, et pour qu’iels y reviennent toujours: faire avec peu de moyens, un spectacle drôle, émouvant, riche, et qui raconte leur passion pour l’Amour, la poésie, la littérature, le théâtre et la culture”.

Une galaxie de poètes, de Sophocle à Pierre Michon, en passant par Camus, Baudelaire, Galilée, Rimbaud, Vian et tant d’autres sont conviés dans un texte ciselé, millimétré, haletant, tour à tour drôle ou dramatique.

Edwige Baily, seule en scène, en est toute entière traversée – fougueuse, passionnée, captivante, possédée. Elle nous saisit au cœur et aux tripes avec cette ode à l’amour de la littérature, aux imaginaires qui éclairent nos vies, à l’amour tout court.

Melting Tof

Tof Théâtre

Melting tof est un joyeux mélange de 2 courtes formes marionnettiques reliées par un pétillant DJ set. Il met en scène quatre personnages qui, au soir de leur vie, partagent leurs passions, bien décidés à ne rien lâcher de leurs désirs.

Jean, une marionnette à taille humaine, joue avec ses souvenirs, les met en scène, les projette sur écran à l’aide de petites marionnettes et de micro-caméras.

Durant le changement de plateau, Antoine et Gaby prennent le contrôle des platines. Plutôt que de moisir dans leur maison de retraite, ils prennent le large et de cassent la baraque !

Telle une locomotive emballée sur la Missouri Pacific Railroad, Bernard déboule. Plus rien ne l’arrête, il est consumé par un feu intense, le feu de la scène ! Bernard vit intensément, Bernard est la rage de vivre. Bernard est le rock’n’roll !

Un DJ marionnettique prend la suite… la nuit est à vous !

Ciné concert : Marotte & Babelouze

Court métrage de fiction de Maxime Jennes & Léa Le Fell, Marotte est la rencontre inédite avec un groupe de personnes âgées de la maison de repos et de soin Albert Delatour du CPAS de Schaerbeek au cours d’ateliers théâtre et cinéma menés pendant deux ans.

L’idée du scénario est survenue lors de l’annulation pour la cinquième année consécutive du voyage à la mer – la seule sortie de l’année tant attendue par les résident·es. Un des résidents, Leying, qui a la mer aux tripes et encaisse, moins encore que les autres la nouvelle s’écrie: “cettefois-ci dans le prochain film on cambriole la camionnette et on part à la mer!”

Objet politique/poétique, il se penche sur ces lieux de mise à la marge que sont les maisons de repos et de soin dans notre société, d’où surgit cependant, malgré le déclin et les atteintes aux corps, la vitalité, l’humour, la joie, la passion, la profondeur de leurs résident·es, loin de la représentation que nous nous en faisons.

Tomassenko A4 & Ze Pocket Koral

“Une langue bricolée, un orchestre de poche, une musique de chambre pas toujours bien rangée. Un univers poétique et singulier, entre théâtre des sons et musique des mots.” – voilà l’essentiel de ce que peut-être un concert comme celui-ci, qui fête une double sortie de LP : Contes Nus avec Thomassenko A4 et Dix souris dans le maquis, où se joint à la phalange initiale le groupe vocal féminin Ze Pocket Koral.

L’imprévisibilité conserve toute la fraîcheur de la spontanéité: il va donc de soi qu’on s’expose à un méli- mélo de LPs, sans parler d’éventuelles surprises et imprévus…

Il y a des polyphonies intimistes, du rythme, de l’humour, des mélodies qui invitent le public à participer. On y parle des étoiles, des orangs-outans, des trous noirs et des vaches, des pommes d’arrosoir, d’une Reine qui s’appelle Claude, etc.

Bref, un délicieux bazar bizarre !

Une Maison de Poupée

Plexus Polaire

Nora, le personnage principal d’Une Maison de Poupée dans la pièce d’Henrik Ibsen, est la “petite alouette” exemplaire d’un mari banquier et l’insignifiante femme d’un foyer modèle. Ibsen, en 1879, mettait en évidence la quête d’émancipation de son héroïne, face aux conventions sociales oppressives et ses faux-semblants.

L’adaptation d’Yngvild Aspeli emmène les spectateur·ices dans un jeu troublant entre illusion et réalité, où les marionnettes à taille humaine se font métaphores d’une société de faux-semblants. Le jeu virtuose et fascinant qui s’instaure entre celles-ci et les acteur·ices fait toute la force de ce spectacle troublant où les manipulations figurent, à l’œuvre, celles de la société patriarcale dans laquelle est prise Nora et à laquelle elle se cogne dans sa quête de liberté et de conquête de son identité.

Yngvild Aspeli y met toute l’intelligence et la subtilité de son art, marionnettique certes, mais aux frontières de deux disciplines : “Le théâtre de marionnette est une forme qui se réinvente constamment, qui traverse sans peur les frontières des autres disciplines artistiques. C’est une expression artistique qui dépasse la classification. Ce n’est pas qu’une forme, ou une technique, c’est un regard, une langue, un état d’esprit.”

Mouton Noir

Compagnie Piment Langue d'Oiseau

La Compagnie Piment Langue d’Oiseau s’empare du texte d’Alex Lorette, Mouton Noir qui imagine une jeune adolescente happée par la mécanique infernale du harcèlement. L’horlogerie dévoile une mécanique invisible, destructrice, fatale, tout en livrant une réflexion distanciée sur le fonctionnement des humains en groupe et la place de chacun·e.

Implacablement, les séquences s’enchaînent: Camille, adolescente timide, est le bouc émissaire de “la bande”, soutenue par Mila qui est une sorte d’amie imaginaire. Vient le baptême : Camille sera “la grosse cochonne” du collège.

Suivent les attaques physiques, les humiliations répétées, publiques aussi, et la honte, le repli qui enserrent jusqu’à l’étouffement final. Les quatre comédien·nes incarnent tour à tour les différent·es protagonistes de cet engrenage montrant ainsi que ne sont pas immuables et qu’il n’y a pas de fatalité à en être la victime.

Combo Cabaret #2

Drache Nationale + Munsch

Drache Nationale · Cie Anoraks

Gene Kelly chantait “I’m singing in the rain”, la compagnie Anorak fait mieux. Avec humour et dérision, les trois compères ont filé en réponse à la question, une petite “fable circassienne”, un chapelet drolatique, loufoque, de moments où rien ne va plus, avec une reine sous la pluie, un slow dans une première boum, la mort du meilleur ami, des rêves échoués, des petites victoires, un inventaire de foirades et surtout: de la jonglerie.

Munsch

Munsch exprime les cris étouffés, ceux que l’on ne peut sortir. Intérieurs, sublimés ou expulsés, ils deviennent mélodies, textures ou ambiances. Le trombone, l’accordéon et les percussions entrent en hybridation, augmentés par l’électronique, le temps s’étire, se contracte, dans les méandres des genres – musique électronique, jazz, mélodies folkloriques – et des registres d’émotion.

Bon débarras !

Compagnie Alula

Dans le placard, le débarras, là, sous l’escalier, le temps passe, les enfants se succèdent. Des années les séparent, pourtant leurs jeux se ressemblent. Leurs époques diffèrent, mais leurs émotions se ressemblent.

Leurs modes de vie évoluent, leurs aspirations demeurent. Chaque enfant est unique et chaque enfant se ressemble. Les spectateur·ices sont les témoins privilégié·es de leurs moments de complicité, de secrets partagés, d’interdits transgressés, dans une histoire à tiroirs qui superpose les enfances d’époques différentes à travers le siècle passé, qui toutes on fait du débarras un refuge et l’écrin de leurs imaginaires.

Bon débarras! est un spectacle marionnette à rebondissements, drôle et intelligent, qui célèbre nos enfances, celles de nos parents, de nos grands- parents, des parents de nos grands parents.

Rhinocéros

Bérangère Vantusso

Le quotidien sans histoire d’une petite ville de province est bouleversé par l’intrusion intempestive et inexplicable d’un rhinocéros, en pleine rue. Un mal étrange frappe rapidement un·e à un·e les habitant·es de la ville qui se transforment en pachydermes. Rapidement l’espace vital se réduit et les règnes s’inversent, ne laissant qu’un dernier homme.

Au moment où l’Europe replonge dans les eaux sombres du nationalisme et des extrêmes droites, Bérangère Vantusso s’empare de cette œuvre majeure du théâtre d’après-guerre, écrite par Ionesco en écho à la montée du nazisme. Elle en fait résonner, de manière stylisée, l’inquiétante modernité, en déconstruit les mécanismes de propagation des idéologies et nous tend un miroir suffisamment déformant pour que nous puissions y réfléchir.

Démarrant en fausse piste comme une comédie drame dans un abri menacé, Rhinocéros est une plongée méticuleuse dans le chaos de l’âme humaine, qui sonde nos piétinements et nous demande pourquoi nous apprenons si peu du passé.

Soudain les îles

Compagnie Les Incomplètes

Inspiré librement des matières et créatures qui jonchent le littoral et habitent les océans, Soudain les îles est un solo sans paroles, déployant un univers marionnettique sensoriel, à la fois étrange et familier. L’artiste interdisciplinaire Laurence Petitpas y a posé sa marque et son univers : chaque créature marine ou terrestre porte en elle la possibilité de l’apparition de la prochaine, chaque métamorphose les fait apparaître en elles-mêmes et potentiellement autres.

Jouant sur les principes d’apparition et de disparition, de construction et de destruction, Soudain les îles dessine des mondes possibles et met en lumière la force du geste créateur qui habite chaque être humain, dès la petite enfance.

Évocatrices de la fuite, de la solitude ou du refuge, les îles se font métaphores de nos territoires intérieurs, et émotifs changeants qui forment le lit de notre créativité.

Koros

Hélène Blackburn, Margie Gillis, Andrea Pena

Par la magie d’un casque de réalité virtuelle, vous êtes au centre de la scène. En complète immersion dans la chorégraphie, au plus près des danseur·euses du plateau, des corps en mouvement…

Au travers d’une expérience de 40 minutes au cœur de trois extraits de pièces emblématiques de leurs répertoires, adaptées spécialement pour l’occasion – The Complex Simplicity of Love de Margie Gillis, Allegro Barbaro d’Hélène Blackburn, 6.58 manifesto d’Andrea Peña – plongez dans la danse autrement et vivez une expérience du corps inédite !

Recommandé aux amateur·ices de danse contemporaine comme aux personnes curieuses de nouvelles expériences technologiques.

Geneviève Matthieu

Geneviève Matthieu est un duo d’artistes formé à Rouyn-Noranda (Québec, Canada) à la fin des années 1990. Artistes pluriel·les, iels créent des représentations collectives et des mises en scène de tableaux sociaux inspirés de l’art et de la vie.

Le duo présente ici en concert un carrousel performatif qui retrace l’ensemble de leur parcours musical de 1999 à aujourd’hui. Enfant du plomb du quartier Notre-Dame en Abitibi, le duo Geneviève Matthieu évolue depuis un quart de siècle entre les aléas de la vie d’artiste et le fruit de la création.

Mélangeant musique, poésie et arts visuels, iels offrent des performances baroques dans lesquelles l’improvisation, le storytelling, l’opéra et la mélodie font acte de foi. Et ajoutent: “Crions notre joie”.

Confession Publique

MAYDAY

La chorégraphe Mélanie Demers a fait de sa fidèle collaboratrice, Angélique Willkie, sa muse pour ce solo autobiographique. Un métissage de formes, de vies et de visions entre deux artistes multidisciplinaires qui se connaissent bien.

Confession Publique aborde les thèmes du privé, du secret, du profond et du marécageux. Il y est question de noblesse et d’élégance dans la confession. Le dévoilement ici se donne à voir comme un geste poétique autant qu’une nécessité.

Le corps révèle autant, sinon plus, que les paroles. Le rapport est intime et intimidant. Entre grandes déclarations et petites confessions, entre les doutes et les demi-vérités, les zones d’ombre affrontent le côtoient l’intime et l’extime que nous nous immisçons. C’est dans cette craque que nous nous glissons pour observer nos travers, caresser nos cicatrices et contempler nos maux. Parce que ce sont dans nos fêlures, nos brisures, nos fissures que nous sommes les plus authentiques.

Le Gardien des enfants

Théâtre Indépendant

« Le chaos de l’intimité est inexprimable » dit le protagoniste du Gardien des Enfants, une performance théâtrale hybride qui tente l’évocation publique des traces laissées par la violence sexuelle sur le corps et l’esprit de celleux qui la subissent. Une entreprise caractéristique du collectif Théâtre Indépendant, attaché à dépeindre une vision altersexuelle (queer) du monde, donnant la parole à des voix invisibilisées dans un esprit d’élargissement des récits collectifs.

Dans un rituel énigmatique en un lieu vaporeux, Charles Voyer navigue dans les méandres de sa mémoire et nous invite dans sa quête à la recherche d’une certaine quiétude, d’un apaisement.

La Brèche

Une Tribu Collectif

Jamais le spectacle de la mort des autres n’a été rendu aussi visible via les médias et le cinéma, les jeux vidéo et internet. Mais la nôtre, dans nos sociétés modernes, nous ne semblons plus la considérer, la penser. Comment imaginer que l’effacement dans lequel se trouve la question de notre propre mort ne nous soit pas, un jour ou l’autre, dommageable ?

Le collectif Une Tribu a décidé de traduire ses interrogations par la pratique même de la marionnette dans une approche concrète. Les artistes développent un récit simple, voire naïf : à la mort de sa grand-mère, une petite fille décide qu’elle, on ne la mettra jamais dans une boîte. Elle va grandir et vivre sa vie sans penser à la mort.

Grâce à la force des images et à l’ambivalence de la marionnette, les auteur·ices ménagent un espace de réflexion. Objet inanimé auquel on prête la vie, la marionnette n’a de cesse d’emprunter des passages entre le vivant et le mort. Des deux mondes. La marionnette s’y engouffre et nous entraîne vers de troublantes zones, sans pour autant nous faire violence.

Casimir

Arts et couleurs

Casimir est un conte tiré du livre Contes d’hiver de Grégoire Solotareff écrit en 2001.

Tout le monde savait que le déménagement de Casimir et sa famille serait un évènement, mais personne ne pensait qu’il bouleverserait à ce point le village des lutins.

Et la grande question qui était sur toutes les lèvres, « pourquoi sont-iels partis si vite ? », personne n’osait la poser. Car au fond, chacun·e connaissait la réponse : Casimir et sa famille avaient été proprement éjectés du village. Les choses étant ce qu’elles sont et plus encore, comme elles vont ces temps derniers, l’histoire de Casimir, de l’étranger est absolument actuelle.

Un spectacle poétique où se mêle le grave, le tendre et l’humour.

Hen

Théâtre de Romette

“Hen” (que l’on peut prononcer Heune) est un pronom suédois entré dans le dictionnaire en 2015 permettant de désigner indifféremment un homme ou une femme.

Hen est ici un personnage plein de vie, exubérant, diva enragée et virile à talons qui s’exprime en être absolument libre, chantant l’amour, l’espoir, les corps, la sexualité. Le tout avec humour et insolence, au gré de ses identités multiples, au fil du récit de son parcours intime.

Hen est minutieusement sculpté·e, fait de mousse, de bois, de métal et de latex. Créature chimérique littéralement, iel se transforme et joue avec les images masculines et féminines grâce à un corps pouvant muter avec insolence et malice au gré de ses envies. Dans un cabaret déjanté qui s’apparente aux cabarets berlinois des années 30 ou de la scène performative queer actuelle, Hen affirme une identité multiple.

Un spectacle en filiation directe avec une longue tradition de théâtre de marionnettes subversif – une bulle d’oxygène, donc !

Lili

Tom Bourgeois quartet

Dans son album Murmures, Tom Bourgeois avait produit une “réinterprétation” du Quatuor à cordes de Ravel. Cette fois, avec Lili, il consacre tout un album à une musicienne et compositrice exceptionnelle, Lili Boulanger. Son œuvre, située entre Ravel et Debussy, fait preuve d’une personnalité unique et singulière : impressionniste, d’inspiration mystique, avec des mélodies nostalgiques, mais contrastées, des choix harmoniques complexes et une tension dramatique parfois impressionnante.

À travers 14 titres, le compositeur et saxophoniste ne se contente pas d’offrir une interprétation sensible de l’œuvre. Il va plus loin en investiguant les échos que cette musique écrite il y a un siècle peut avoir avec sa propre démarche.

Il en résulte une musique destinée à un quartet de jazz qui puise tantôt dans la musique contemporaine, mais sans collage ni couture. De cette alliance naît une voix singulière.

Grou !

Cie des Renards / Effet Mer

Charles vient fêter son anniversaire seul dans sa cuisine et fait un vœu en soufflant ses bougies. Son souhait : grandir plus vite. Et voilà que Grou, un homme de Cro-Magnon, surgit inopinément du four habillé en peaux de bêtes avec une torche enflammée.

Le dialogue se noue et petit à petit Charles comprend que Grou n’est pas qu’un drôle de sauvage, mais pourrait bien se révéler être un très lointain ancêtre capable de lui faire traverser les Âges. Le spectacle se mue alors en un grand voyage dans le temps qui va leur permettre d’assister à la construction des grandes pyramides, se battre et rimer au temps des chevaliers, partager un mammouth, demander conseil à Diou, ou encore discuter sous une pluie d’obus.

Ainsi de leurs différences va se tisser entre eux un lien nouveau entre amitié et filiation millénaire, leur apprentissage mutuel amènera Charles à une une prise de conscience décisive pour son avenir.

Un plaisir du jeu communicatif, un spectacle inventif, physique, facétieux et bondissant pour une joyeuse marche vers l’Avenir.

Rencontre professionnelle

en collaboration avec le Tof Théâtre, avec Brane Solce et Sanja Fidler,

Cette rencontre est co-organisée par le TOF Théâtre et le Centre Culturel d’Aarschot dans le cadre d’un projet plus large autour des Arts de la marionnette : Puppet Pop Troc.

L’objectif est de rassembler artistes et professionnel.les (programmation, animation, médiation) de la communauté flamande et francophone pour ouvrir le champ de notre imaginaire, découvrir des univers singuliers et partager des pratiques inspirantes.

Combo Cabaret #3+ Fête de fin de saison

Mercedes Dassy & La Philantrope

Ruuptuur · Mercedes Dassy

Rituel festif et underground RUUPTUUR met en scène quatre danseuses mi- centaures, mi-cyborg, portées par une musique pulsée aux rythmes irrésistibles aux franges de la transe. Danse urbaine, contemporaine, afro-beat : les langages se croisent en un rituel collectif incandescent, joyeux, festif et totalement communicatif.

Ensemble, intrépides et fières, leurs énergies se démultiplient dans une conjuration du renoncement, une invitation rebelle à la rupture, au changement collectif total de notre vécu de l’intime, du poétique, du social et du politique.

La Philantrope · Leo Girones & Mathilde Rivet

La Philantrope, projet hybride queer s’approprie des influences des courants musicaux alternatifs, comme la techno, au service d’une poésie délicatement brutale.

Culture club queer et culture punk, Léo Girones et Mathilde Rivet conjuguent leurs univers en réinventant l’expression des sentiments sombres pour les fondre en une atmosphère de fête. C’est l’odeur du plancher que l’on écrase en club, les souvenirs déformés aux stroboscopes, le cœur qui s’arrache, un toucher qui nous obsède… Un plongeon en atmosphère pour la soirée de clôture de la saison !

Chantier Marionnette

Atelier #1 avec la compagnie Alula

Chorale d’objets animés

Charlotte Bouriez et Sarah Wéry